10 cuadros imprescindibles del Museo del Prado que me fascinan

El Museo del Pra­do no es solo uno de los museos más impor­tantes de España. Es una de las pina­cote­cas más influyentes del mun­do. Cam­i­nar por sus salas es recor­rer sig­los de his­to­ria euro­pea, des­de los prim­i­tivos fla­men­cos has­ta los grandes mae­stros del siglo XIX. Entre miles de obras, hay cuadros que se con­vierten en obsesión, en recuer­dos que se quedan graba­dos mucho después de salir por la puer­ta.

Es el segun­do lugar más vis­i­ta­do de Madrid (lle­vaos las manos a la cabeza pero el primero es el San­ti­a­go Bern­abeu) y tur­is­tas de todo el mun­do sueñan con pis­ar algu­na vez el Museo del Pra­do. Con­sid­er­a­da con razón una de las pina­cote­cas más impor­tantes del mun­do, con un catál­o­go que rebasa las 35.000 obras (no sólo cuadros), El Pra­do es ese museo al que te lle­van de niña en en el cole­gio y con­tinúas vis­i­tan­do el resto de tu vida siem­pre que tienes un rato libre, enorgul­le­cién­dote del riquísi­mo pat­ri­mo­nio pic­tóri­co que ate­so­ramos en la cap­i­tal.

Hay una cosa que me encan­ta del Pra­do y es que pese a que muchos tur­is­tas se que­jan de que la entra­da es algo cara (15 euros), opinión que no com­par­to porque creo que el tick­et vale cada euro que pagas, al mis­mo tiem­po per­mite cada día  la entra­da gra­tui­ta durante las dos últi­mas horas: probad a ir en fin de sem­ana y com­pro­baréis las colas que se for­man. Siem­pre he defen­di­do que la cul­tura ha de ser algo acce­si­ble para todos, sean ricos o pobres, en estos tiem­pos en que el gob­ier­no de turno se empeña en los recortes en edu­cación. Por eso me emo­ciona cada vez que voy al Pra­do ver a cien­tos de padres expli­can­do con pal­abras sen­cil­las a sus hijos pequeños los detalles de cada obra. Quien piense que un niño se puede abur­rir vis­i­tan­do un museo no ha tenido unos padres que sep­an abrir­le el apeti­to por la cul­tura, demostran­do que el des­cubrim­ien­to de los pin­tores y sus obras, además de didác­ti­co, puede ser diver­tido.

A menudo, cuan­do vienen ami­gos de otras ciu­dades a pasar unos días en nues­tra casa, me gus­ta reser­var un rato para lle­var­les al Pra­do. No conoz­co ni a uno solo de mis ami­gos que no haya sali­do encan­ta­do. Sobre todo porque la may­oría de ellos descono­cen el inmen­so mues­trario que se esconde tras los muros de este bel­lísi­mo edi­fi­cio y se sor­pren­den de las obras tan mar­avil­losas que aquí se encuen­tran. Muchas de ellas son famosísi­mas pero de otras nun­ca han oído hablar y quizás son las que jus­ta­mente más les calan. Y es que a eso se viene al Pra­do: a des­cubrir y a apren­der.

Con las épocas tan con­vul­sas que ha sufri­do la his­to­ria de nue­stro país, cues­ta creer que tan­tos cuadros hayan logra­do sobre­vivir has­ta nue­stros días. Por pon­er un ejem­p­lo, durante la Guer­ra Civ­il las obras más impor­tantes debieron ser trasladadas a la cos­ta valen­ciana, en pre­visión de que el Pra­do fuera bom­bardea­do y se perdiera un pat­ri­mo­nio insusti­tu­ible. Gra­cias a ello, hoy en día podemos dis­fru­tar de una colec­ción artís­ti­ca que es la envidia de medio mun­do.

Tenía muchas ganas de dedicar unas líneas al Museo del Pra­do porque, fran­ca­mente, es un museo que me fasci­na, con difer­en­cia mi favorito en España. Y ya que el repa­so por su vas­ta colec­ción podría hac­erse eter­no, quería cen­trarme en algunos de los cuadros que más me gus­tan. Algunos de ellos cono­cidísi­mos, otros no tan­to, pero todos con un denom­i­nador común: su sin­gu­lar­i­dad les ha con­ver­tido en obras perennes en el tiem­po. Si es la primera vez que escuchas hablar de algunos de ellos, espero que esto se traduz­ca en un aumen­to de las ganas de vis­i­tar el Pra­do la próx­i­ma vez que ven­gas a Madrid.

 

Las edades y la muerte

(Hans Baldung Grien)

Hans Bal­dung Grien es un pin­tor alemán que pese a que vivió a la som­bra de su mae­stro, Alber­to Durero, nos dejó para la pos­teri­dad obras tan impac­tantes (y descon­cer­tantes al mis­mo tiem­po) como “Dos bru­jas”, “Aque­larre”, “Los dos amantes y la muerte”  o “La muerte y la don­cel­la”. Bal­dung, para quien el pen­samien­to y las ideas debían ir unidos irre­me­di­a­ble­mente a las imá­genes que rep­re­senta­ba, fue un pin­tor que solía dar un toque funesto a sus obras y al que le obse­sion­a­ba el tema de la muerte. En esta obra podemos ver las difer­entes eta­pas de la vida: las aso­ci­adas a la juven­tud (la del bebé, que con su lan­za inten­ta vencer a la muerte, y la joven) gozan de unos col­ores más vivos, en con­tra­posi­ción con el tono lán­gui­do de la anciana, pero prevale­cien­do los tonos amar­il­len­tos. Esta monocromía da a la pin­tu­ra un aura inmen­sa­mente trág­i­ca, retratan­do de un modo muy triste el cír­cu­lo de la vida.

La belleza de la mujer, en con­traste con la feal­dad de la vie­ja, pre­tendía incluir un men­saje mor­al­izante, pro­pio de la época: la juven­tud es sinón­i­mo de esper­an­za pero el ser humano ha de ten­er siem­pre en mente el paso al más allá. Bal­dung, adic­to a las pin­turas alegóri­c­as, uti­lizó ele­men­tos como el fuego para sim­bolizar el cas­ti­go pos­te­ri­or al fal­l­ec­imien­to. De ahí tam­bién la ima­gen tan ter­rorí­fi­ca de la figu­ra de la muerte, con su reloj de are­na cronome­tran­do el tiem­po que nos que­da de exis­ten­cia. La anciana da la espal­da a la muerte, inten­tan­do escapar de sus gar­ras y afer­rán­dose con deses­peración a la lozanía de su com­pañera.

 

El aquelarre (Francisco de Goya)

 

Si tuviera que quedarme con un rincón del Museo del Pra­do, lo ten­go clarísi­mo: la sala en la que se expo­nen las Pin­turas Negras de Goya. No sabéis la de tardes de mi vida que he pasa­do frente a estas inqui­etantes pin­turas. Goya, un pin­tor rebelde como pocos, intenta­ba ale­jarse del raciocinio de la Ilus­tración en una eta­pa de su vida en la que lucha­ba con­tra una grave enfer­medad. Esta cer­canía a la muerte le había lle­va­do a analizar con min­u­ciosi­dad el lado más trági­co de la vida, en espe­cial en una España que durante sig­los había vivi­do asfix­i­a­da por el miedo, los tabús y el con­ser­vaduris­mo.

Las Pin­turas Negras son sin dudar­lo las obras más enig­máti­cas de todo el lega­do de Goya. Y al mis­mo tiem­po tra­jeron con­si­go una rev­olu­ción en el modo en que el pin­tor maño con­ce­bía su propia obra. Durante sig­los estas pin­turas han sido obje­to de estu­dio de miles de exper­tos, empeña­dos en des­cubrir qué pasa­ba por la cabeza de Goya cuan­do fueron creadas. La may­oría de ellas rep­re­sen­tan una críti­ca de la sociedad de entonces, des­de la vis­cer­al “Due­lo a gar­ro­ta­zos”, en la que dos campesinos se apalean mutu­a­mente, sim­bolizan­do a las dos Españas enfrentadas, a “La romería de San Isidro”, una ver­sión tene­brosa de un mis­mo cuadro suyo, “La pradera de San Isidro”: esta vez los madrileños cel­e­bran su fies­ta grande de noche, bor­ra­chos, una masa de seres casi deformes que pese a la tosquedad del broc­ha­zo, nos trans­miten una ago­b­iante sen­sación de angus­tia y delirio. Un Goya anciano, ape­sad­um­bra­do, que ridi­culiz­a­ba a los pro­tag­o­nistas del cuadro dotán­doles de expre­siones estúp­i­das.

Entre las Pin­turas Negras podemos encon­trar cuadros real­mente incó­mo­d­os como “Dos viejos comien­do sopa” (una obra real­mente sucia y tosca, de tonos depri­mentes, con un anciano des­den­ta­do y otro cadavéri­co como sím­bo­lo de la decrepi­tud de la vejez) o “Sat­urno devo­ran­do a sus hijos”, uno de los cuadros más dramáti­cos del autor, refle­jo del bajo esta­do de áni­mo que Goya sufría en aquel momen­to. El mito griego de Sat­urno, el dios al que se pro­fe­tizó que acabaría destron­a­do por uno de sus vásta­gos, devo­ran­do a sus hijos en un acto caníbal, deses­per­a­do porque sus pro­pios descen­di­entes le arrebataran el poder.  No fue la úni­ca ref­er­en­cia que Goya hizo a la mitología en sus sinies­tras pin­turas: tam­bién lo hizo en “Las Par­cas”, esos seres que corta­ban a su anto­jo las cuer­das que unían a los humanos con la vida.

Pero si hay un cuadro den­tro de las Pin­turas Negras que me apa­siona este es “El Aque­larre”, cono­ci­do tam­bién como “El Gran Cabrón” (hay otro cuadro de Goya sobre aque­lar­res en el museo Lázaro Gal­diano, este mucho más col­ori­do). Se cree que ambos cuadros se inspi­raron en la caza de bru­jas que sufrió Zugar­ra­mur­di dos sig­los antes (ya te hablam­os de nues­tra visi­ta al Museo de las Bru­jas en este mis­te­rioso pueblo en el artícu­lo Ruta por Navar­ra, valle de Baz­tan y País Vas­co Francés) . A Goya (como a nosotros) le fascin­a­ba el tema de la bru­jería y dedicó a dichos ritos ocultistas obras como “El hechiza­do por la fuerza” y muchos graba­dos de la colec­ción “Los Capri­chos”, entre ellos “Lin­da maes­tra”, “Devota pro­fe­sión” o “Si amanece, nos vamos”.

El nacimien­to de “El Aque­larre” venía condi­ciona­do por el estu­por de Goya ante la igno­ran­cia gen­er­al­iza­da de la may­or parte de la población españo­la, esa que pese a la lle­ga­da del lib­er­al­is­mo seguía creyen­do en las ame­nazas de la Igle­sia sobre el ter­ri­ble infier­no que nos esper­a­ba en el más allá si no nos portábamos bien y vivía ate­moriza­da por la exis­ten­cia de demo­ni­os. En esta obra el mis­mo Satán es el gran pro­tag­o­nista, dirigien­do el rito de ini­ciación en la bru­jería de una joven don­cel­la, mien­tras otras bru­jas, tan apiñadas que aca­ban dan­do for­ma a una masa indefinible, con­tem­plan la esce­na. Goya dis­fruta­ba retratan­do temas que durante tan­tos años habían esta­do pro­hibidos por la Inquisi­ción y ridi­culizan­do a un pueblo anal­fa­beto que se deja­ba guiar por las patrañas de los que esta­ban en los puestos de poder, tan­to políti­co como reli­gioso. No ha cam­bi­a­do mucho el cuen­to des­de aque­l­la época: Goya seguiría hor­ror­izán­dose de que dos sig­los después la gran masa social con­tin­uara sien­do igual de manip­u­la­ble.

 

El Jardín de las Delicias (El Bosco)

 

¡Cuán­to se ha escrito sobre “El Jardín de las Deli­cias”! No nos extraña: es una de las obras más enig­máti­cas de la his­to­ria uni­ver­sal. Es uno de los cuadros más admi­ra­dos del Pra­do, es prác­ti­ca­mente imposi­ble acer­carse a él sin darte de empu­jones con otro mon­tón de entu­si­as­tas de El Bosco. El pin­tor holandés, otro de nue­stros favoritos, pro­tag­o­nizó una mag­ní­fi­ca exposi­ción tem­po­ral hace año y medio en El Pra­do, con obras traí­das de todo el mun­do: os ase­gu­ramos que ha sido una de las colec­ciones más impre­sio­n­antes que hemos con­tem­pla­do jamás. Por suerte, la gran estrel­la de la exposi­ción, “El Jardín de las Deli­cias”, se encuen­tra en el museo del Pra­do de for­ma con­tin­ua.

Con­ce­bido como un tríp­ti­co en el que podemos obser­var tres esce­nas difer­entes, en las que se mues­tran el nacimien­to de Adán y Eva, el pro­pio “jardín de las deli­cias” y el infier­no, todo gira en torno a los peca­dos y las tenta­ciones, en for­ma de plac­er ter­re­nal, bajo las que sucumbi­mos. Una obra llena de sím­bo­los sur­re­al­is­tas que impactó fuerte­mente en pin­tores pos­te­ri­ores como Dalí (has­ta el pun­to de que llegó a usar ele­men­tos de este cuadro en “El gran mas­tur­bador”) y que a día de hoy con­tin­ua sien­do una fuente de mis­te­rios. Los humanos son seres insignif­i­cantes que vagan entre mon­stru­os y ani­males imposi­bles: la real­i­dad se funde con la pesadil­la en una unión magis­tral. Adán y Eva res­i­den en un Edén en el que los ani­males se devo­ran unos a otros, ante la fuente de la vida, inac­ce­si­ble en su estanque y con una lechuza que rep­re­sen­ta la bru­jería. Esta fuente ten­dría un fuerte val­or sim­bóli­co en una época en que la alquimia era un val­or en alza.

En la esce­na cen­tral, la del pro­pio jardín, acon­tece una desen­fre­na­da bacanal en el que hom­bres y mujeres dan rien­da suelta a sus instin­tos más sal­va­jes. Aunque algunos ele­men­tos parez­can care­cer de lóg­i­ca, El Bosco escondió tras todos ellos muchas ideas mor­al­izado­ras, des­de los jinetes rode­an­do a las fémi­nas (mon­tar a cabal­lo se aso­cia­ba con la sex­u­al­i­dad) a la apari­ción de fre­sas como fru­to inci­ta­dor o rosas y peces que se aso­cia­ban con el peca­do. Sor­prende que en una época en que la homo­sex­u­al­i­dad esta­ba fer­oz­mente persegui­da, El Bosco se atre­vió a retratar rela­ciones entre per­sonas del mis­mo sexo.

Y es en la últi­ma esce­na, la del aver­no, donde El Bosco desató su harén de delirios. Un mon­struo con for­ma de pájaro que devo­ra hom­bres y los defe­ca en un pozo donde otro hom­bre vom­i­ta mon­edas (la avari­cia), una críti­ca a las ordenes reli­giosas que se aprovech­a­ban de su poder (un cer­do con un hábito de mon­ja o los cléri­gos con pico de ave), demo­ni­os que uti­lizan a humanos como mon­e­da de cam­bio en sus apues­tas, instru­men­tos musi­cales que se usan como aparatos de tor­tu­ra… El Bosco quiso rep­re­sen­tar a los pen­i­tentes sufrien­do no sólo físi­ca­mente sino tam­bién psi­cológi­ca­mente. En defin­i­ti­va: un cuadro que te puedes tirar horas y horas anal­izan­do y en cada visión ten­drás una impre­sión nue­va de lo que la extrav­a­gante men­tal­i­dad de El Bosco quería dejarnos como heren­cia.

 

Doña Juana la Loca

(Francisco Pradilla)

 

Es la obra maes­tra de Padrilla, pese a que la pin­tó con sólo 29 años. En ella se mues­tra el rocam­bo­le­sco trasla­do del féretro de Felipe el Her­moso de la Car­tu­ja de Miraflo­res a Grana­da. Jua­na la Loca, en un avan­za­do esta­do de gestación y lucien­do las dos alian­zas sím­bo­lo de su viudedad, se empeñó en pere­gri­nar con el ataúd durante var­ios meses, enfren­tán­dose al frío del invier­no. La esce­na rep­re­sen­ta el momen­to en que la reina se negó a des­cansar en un con­ven­to de mon­jas (no quería que ningu­na otra mujer se acer­cara a su mari­do, pese a que este hubiera fal­l­e­ci­do), obligan­do a la comi­ti­va a acam­par a la intem­perie. En real­i­dad, Jua­na la Loca ya había dado a luz sem­anas antes pero Pradil­la insis­tió en retratar­la embaraza­da para acen­tu­ar la sen­sación de desam­paro.

Pradil­la supo trans­mi­tir impeca­ble­mente ese esta­do débil men­tal en el que cayó la sober­ana tras la muerte de su esposo, un amor no cor­re­spon­di­do vis­tas las numerosas infi­del­i­dades con las que Felipe el Her­moso cas­ti­ga­ba a su mujer. Y no sólo en este cuadro, es tam­bién fasci­nante el modo en que retrató su oca­so, tan­to como mujer como reina, en “La reina doña Jua­na la Loca reclu­i­da en Torde­sil­las con su hija, la infan­ta doña Catali­na”. El alias de “la loca” con el que Jua­na pasó a la his­to­ria que­da ple­na­mente jus­ti­fi­ca­do en este cuadro: sólo hay que fijarse en la mira­da per­di­da de la viu­da para con­fir­mar lo que todo el mun­do sabía pero nadie se atrevía a decir­le a la cara. Sin embar­go, tam­bién son otros muchos los que defien­den que Jua­na era sim­ple­mente una mujer de fuerte tem­pera­men­to que debió enfrentarse al patri­ar­ca­do dom­i­nante que la declaró impe­di­da para evi­tar que accediera al trono. Lo cier­to es que pasó los últi­mos 47 años de su vida injus­ta­mente encer­ra­da en unas condi­ciones deplorables: su propia famil­ia la había acaba­do con­de­nan­do a la peor de las exis­ten­cias.

 

La bacanal de los andrios (Tiziano)

 

Real­iza­do por encar­go del Duque de Fer­rara, Tiziano hom­e­na­jea a Baco (el dios del vino) y las fies­tas desin­hibidas que se real­iz­a­ban en su hon­or (Velázquez o Rubens tam­bién se inspi­raron en dicho tema mitológi­co). Las bacanales de la isla de Andros, donde la leyen­da cuen­ta que cada mes de Enero fluía un río de vino, eran cer­e­mo­nias sagradas en las que se per­mitía cualquier desen­freno. Aquí los pro­tag­o­nistas (no podía ser de otra for­ma) son hom­bres total­mente ebrios, los bacantes, bajo una nat­u­raleza apab­ul­lante. En la nota que aparece en el sue­lo puede leerse “quien bebe y no vuelve a beber, no sabe lo que es beber”. El hom­bre que aparece des­fal­l­e­ci­do al fon­do de la esce­na, con su ros­tro avina­gra­do, rep­re­sen­taría al pro­pio río, aunque algunos estu­diosos creen que sería el dios Sileno, un dios menor, bor­rachín y gordinflón, acom­pañante de Dion­iso, la ver­sión grie­ga de Baco.

Tiziano ya tenía un cuadro, “Las tres edades de la vida”, en el que retrata­ba las tres eta­pas del hom­bre; en este cuadro hace lo mis­mo, apor­tan­do a la esce­na la sor­pren­dente ima­gen de un niño que se lev­an­ta la túni­ca para ori­nar, sin ningún tipo de pudor: los infantes no entien­den de vergüen­zas. El resto de los jóvenes baila, char­la y dis­fru­ta de la vida: una oda al plac­er abso­lu­to encar­na­do en la mujer que yace extasi­a­da en la esquina de la derecha.

 

El triunfo de la muerte

(Pieter Brueghel)

 

Pieter Brueghel el Viejo está con­sid­er­a­do uno de los mejores pin­tores de todos los tiem­pos. Una de sus obras más impor­tantes es esta, “El tri­un­fo de la muerte”, donde como su pro­pio nom­bre indi­ca, se pre­tende incidir en lo efímero de nues­tra exis­ten­cia y en el que se apre­cian las claras influ­en­cias de El Bosco (quizás por dicho moti­vo me encan­ta este cuadro).  No debe­mos olvi­dar que hace unos sig­los la esper­an­za de vida entre la población era muy baja por lo que el tema de la muerte era muy uti­liza­do en todas las artes y no se veía como algo trági­co sino como una con­se­cuen­cia más de la vida. La Muerte, rep­re­sen­ta­da como un esquele­to, aparecía en muchas oca­siones como un per­son­aje más, codeán­dose con los humanos y dejan­do patente su pres­en­cia. Aunque muchos de estos cuadros parez­can pes­imis­tas, tam­bién la may­oría guardan men­sajes de esper­an­za: en este caso, la figu­ra de la cruz o los amantes sim­bolizan que la religión o el amor están por enci­ma de nue­stro paso al otro mun­do. Y si no lo están, inten­tan mirar para otro lado ante la lle­ga­da de la hora final.

Brueghel inten­tó incluir aquí muchos sím­bo­los de nues­tra vida cotid­i­ana aso­ci­a­dos a la vanidad (naipes, mon­edas) pero tam­bién aque­l­los que trans­miten la idea de morir como el reloj de are­na o la vela que se está con­sum­ien­do. Toda la obra está impreg­na­da de un aro­ma satíri­co, con los esquele­tos burlán­dose de los humanos agon­i­zantes o el monar­ca en sus últi­mas horas, dejan­do claro que la muerte no per­dona a nadie, por muy poderoso que este sea. La fusión entre el mun­do ter­re­nal, en la parte baja, y el infier­no, en la parte supe­ri­or, evi­den­cian que todo va unido: se deja atrás esa ima­gen bucóli­ca del pasa­do en que la muerte era vista como un paso a un mun­do mejor, con ascen­siones rodeadas de ánge­les, para con­ver­tir al fal­l­ec­imien­to en una catástrofe de la que no podemos escapar. Se destier­ra toda idea de inmor­tal­i­dad: es el tri­un­fo de la muerte.

 

La historia de Nastagio degli Onesti

(Sandro Botticelli)

 

Toman­do como ref­er­en­cia el Decamerón de Boc­cac­cio, Bot­ti­cel­li pin­tó cua­tro cuadros inspi­ra­do en la his­to­ria de Nasta­gio degli Onesti, un príncipe ital­iano que fue rec­haz­a­do por su ama­da, Pao­la Tra­ver­sani. Lla­ma la aten­ción ver como Nasta­gio aparece tres veces rep­re­sen­ta­do, para dar la idea de una his­to­ria divi­di­da en var­ios actos (his­to­ria que se con­tin­uaría en los cuadros pos­te­ri­ores). En la primera esce­na vemos al príncipe con­ver­san­do con otros per­son­ajes, hablán­doles del rec­ha­zo que ha sufri­do; estos le acon­se­jan realizar un via­je para escapar de su melan­colía. En la segun­da está pase­an­do cabizba­jo por el bosque, cav­i­lan­do sobre su mala suerte. Y en la ter­cera  se encuen­tra con una esce­na ter­rorí­fi­ca, una mujer que huye de un jinete, ata­ca­da por un per­ro. El men­saje esta­ba claro: las mujeres no deben negarse a cumplir los deseos de sus pre­ten­di­entes, arries­gán­dose a sufrir el peor de los cas­ti­gos. La vio­len­cia de la esce­na es extrema para definir el papel de la mujer, mera­mente secun­dario, en una época en que las mujeres no tenían ni voz ni voto y casi todos los mat­ri­mo­nios, sobre todo entre las clases altas, eran con­cer­ta­dos.

Pre­cisa­mente si este es uno de mis cuadros favoritos en el Pra­do es porque mues­tra sin remil­go ninguno la men­tal­i­dad machista de la época (y por eso me hor­ror­iza al mis­mo tiem­po): la mujer extiende esa idea, ger­mi­na­da en el mito de Adán y Eva, de que la fem­inei­dad trae con­si­go el peca­do. Por dicho moti­vo, y por ser la her­ramien­ta humana para atraer a las tenta­ciones, la mujer ha de ser doble­ga­da sin miramien­tos.

 

Los fusilamientos del 3 de Mayo

(Francisco de Goya)

 

Goya es el úni­co pin­tor que repite en esta selec­ción: soy una enam­ora­da de su obra. Aunque Goya era aragonés, pocos pin­tores han sabido ahon­dar tan bien en las penurias que vivía Madrid en su época. Quizás por ello, porque me con­sidero una madrileña de pura cepa, de esas pocas cuyos padres tam­bién son “gatos”, me lle­ga tan­to “Los fusil­amien­tos del 3 de Mayo”. Porque el lev­an­tamien­to del 2 de Mayo prob­a­ble­mente haya sido la may­or revuelta ciu­dadana que haya vis­to nue­stro país y que derivó en la Guer­ra de Inde­pen­den­cia. Un acto hero­ico pro­tag­on­i­za­do por las clases pop­u­lares, que se nega­ban a ser someti­das por las tropas france­sas, y que se enfrentaron a los sol­da­dos con cuchil­los y palos. Una rebe­lión a la que sigu­ió una repre­sión bru­tal, con más de 500 asesina­dos.

Goya plas­mó con crudeza extrema el fusil­amien­to el día pos­te­ri­or a la revuelta de algunos de estos insur­gentes. Una esce­na mag­ní­fi­ca en la que jue­ga con la luz del farol para con­ver­tir en pro­tag­o­nista abso­lu­to al valiente que está a pun­to de morir y que rep­re­sen­ta al pueblo entero de Madrid. Sus com­pañeros, los sigu­ientes ajus­ti­ci­a­dos, se cubren el ros­tro, ape­sad­um­bra­dos por el dolor de la der­ro­ta; a los sol­da­dos no les vemos las caras porque son peones imper­son­ales, los esbir­ros sin voz ni voto que acatan las órdenes del Esta­do. La luz ejerce tam­bién de fron­tera impro­visa­da entre héroes y vil­lanos: la posi­ción con las manos en alto del que va a morir fusila­do acen­túa su inde­fen­sión, recal­can­do el abu­so de las tropas napoleóni­cas. Pero al mis­mo tiem­po mira de frente a sus ver­du­gos: la valen­tía y la defen­sa de los ide­ales están por enci­ma del miedo a la muerte.

 

Condenados por la Inquisición

(Eugenio Lucas)

 

Sien­do como soy tan amante de la obra de Goya, no es de extrañar que incluya entre estos diez cuadros “Con­de­na­dos por la Inquisi­ción”, ya que Euge­nio Lucas jamás escondió su pasión por el esti­lo goyesco, has­ta el pun­to de que cuan­do fal­l­e­ció Goya hubo dudas acer­ca de la autoría de cier­tos cuadros, que no se sabía si pertenecían a uno u otro pin­tor. Como a Goya, a Lucas le fascin­a­ba el papel repre­si­vo que había juga­do la Inquisi­ción en la Edad Media, con­ver­ti­da en juez y ver­dugo de los que osaran no doble­garse ante las estric­tas leyes reli­giosas de la época. Poco importa­ba que muchos de estos supuestos here­jes fuer­an inocentes, víc­ti­mas de envidias o ven­gan­zas per­son­ales. Las plazas de los pueb­los pasaron a con­ver­tirse en los teatros al aire libre donde la obra del día con­sistía en pres­en­ciar los cas­ti­gos cor­po­rales y psi­cológi­cos que se inflingía a los acu­sa­dos, daba igual que estos fuer­an hom­bres, mujeres o niños de cor­ta edad.

En esta esce­na, los here­jes son pasea­d­os entre la mul­ti­tud, atavi­a­dos con los capirotes que les iden­ti­fi­ca­ban como descar­ri­a­dos, reci­bi­en­do el des­pre­cio, los insul­tos y los golpes de la muchedum­bre. El triste retra­to de un pobre macha­can­do a otro pobre ¿puede haber algo más mis­er­able que el muer­to de ham­bre cla­sista, que se alin­ea con ese poder que a él tam­bién le humil­la, sin darse cuen­ta de su niv­el de servil­is­mo? Lucas revive este drama­tismo ayu­da­do por tonos lúgubres, broc­ha­zos toscos y colo­can­do de espal­das a los ajus­ti­ci­a­dos, que se pier­den entre las som­bras. Una críti­ca voraz al abu­so hipócri­ta que la Igle­sia real­izó con las clases humildes, dis­frazán­do­lo de bue­nas obras bajo un man­to de piedad inex­is­tente.

 

La extracción de la piedra de la locura

(Jan Sanders Van Hemessen)

 

Aunque el tema de la piedra de la locu­ra fue prin­ci­pal­mente pop­u­lar­iza­do por El Bosco (tam­bién lo retrató Brueghel), fue una de las inspira­ciones predilec­tas de muchos pin­tores fla­men­cos. En la Edad Media se tenía la ideas errónea de que la locu­ra venía provo­ca­da por la acu­mu­lación en el cere­bro de min­erales (como ocurre en los riñones con los cál­cu­los renales) y la extrac­ción de estas pequeñas piedras podía solu­cionar la demen­cia del paciente. Ampara­dos en esta creen­cia, miles de curan­deros, char­la­tanes y matasanos tima­ban a los pobres enfer­mos y sus famil­ias: nótese ala expre­sión sar­cás­ti­ca del supuesto médi­co mien­tras real­iza la operación. A su lado, el próx­i­mo paciente espera con deses­peración su turno.

Pero si la desvergüen­za de estos matar­ifes era amplia, no se qued­a­ba atrás la igno­ran­cia del pop­u­la­cho, que se creía a pies jun­til­las todo lo que le dijera cualquiera que supiera leer tres letras (el 90% de la población era anal­fa­be­ta). Las clases humildes eran uti­lizadas como cone­jil­los de Indias por la clase médi­ca, que se nega­ba a recono­cer su fal­ta de conocimien­tos y sus lim­ita­ciones, agrava­da esta situación por la intol­er­an­cia de la Igle­sia, que puso cien­tos de obstácu­los para que la cien­cia pudiera avan­zar, basán­dose en ridícu­las creen­cias. Menos mal que el paso de los sig­los con­sigu­ió que estas prác­ti­cas quedaran total­mente obso­le­tas.

 

Cómo visitar el Museo del Prado sin morir en el intento

Vis­i­tar el Museo del Pra­do no es sim­ple­mente entrar en un museo. Es enfrentarse a sig­los de his­to­ria, a salas inter­minables y a una colec­ción que podría abru­mar inclu­so al via­jero más moti­va­do. Por eso, orga­ni­zar bien la visi­ta mar­ca la difer­en­cia entre salir inspi­ra­do… o salir ago­ta­do.

Cuánto tiempo dedicarle

Si es tu primera vez, inten­ta reser­var al menos dos o tres horas. Menos que eso con­vierte la expe­ri­en­cia en una car­rera con­trar­reloj. Más de cua­tro horas seguidas puede resul­tar exce­si­vo si no estás acos­tum­bra­do a los museos. El Pra­do no es pequeño: recor­rerlo entero en un solo día no es real­ista si quieres dis­fru­tar de ver­dad.

Mi con­se­jo: mejor ver menos y ver­lo bien.

Mejor momento para entrar

El museo suele estar más tran­qui­lo a primera hora de la mañana entre sem­ana. Los fines de sem­ana y fes­tivos la aflu­en­cia aumen­ta bas­tante, espe­cial­mente en tem­po­ra­da alta.

Existe un tramo de acce­so gra­tu­ito al final del día. Puede ser una bue­na opción si tienes pre­supuesto ajus­ta­do, pero ten en cuen­ta que la entra­da libre atrae a mucha gente y puede resul­tar más ago­b­iante.

Horarios y precios del Museo del Prado

Si estás pen­san­do en vis­i­tar el Museo del Pra­do en Madrid, es útil saber cuán­do abre, cuán­to cues­ta y qué opciones hay para entrar sin gas­tar demasi­a­do.

🕐 Horarios de apertura

El Museo del Pra­do abre todos los días excep­to el 1 de enero, el 1 de mayo y el 25 de diciem­bre.
De lunes a sába­do puedes entrar de 10:00 a 20:00 h, y los domin­gos y fes­tivos el horario es un poco más cor­to, de 10:00 a 19:00 h. En días señal­a­dos como el 6 de enero, el 24 y el 31 de diciem­bre, el museo fun­ciona en horario reduci­do por la mañana, nor­mal­mente has­ta las 14:00 h.

💡 Con­se­jo: La taquil­la suele abrir media hora antes del horario ofi­cial para que ten­gas tiem­po de acced­er sin prisa.

💶 Precios de las entradas

Las tar­i­fas del museo incor­po­ran varias opciones para adap­tarse a tu pre­supuesto y esti­lo de visi­ta:

• Entra­da gen­er­al: 15 € para ver la colec­ción per­ma­nente.

• Entra­da reduci­da: aprox­i­mada­mente 7,50 € para gru­pos especí­fi­cos (may­ores de 65 años, tit­u­lares del car­net joven, famil­ias numerosas).

• Audio­guía: suman­do unos 5 € puedes lle­varte una audio­guía que ayu­da mucho a enten­der las obras.

• Visi­ta guia­da: por un suple­men­to de alrede­dor de 10 € puedes con­tratar un recor­ri­do guia­do con con­tex­to y expli­ca­ciones.

¿Conviene comprar la entrada online?

Sí. Com­prar la entra­da antic­i­pa­da en este enlace ofi­cial (el del museo) evi­ta colas innece­sarias y te per­mite orga­ni­zar mejor tu horario. Sobre todo si via­jas en tem­po­ra­da alta o en fechas señal­adas.

¿Audioguía, visita guiada o por libre?

Depende de tu for­ma de via­jar.

• Si te gus­ta pro­fun­dizar en los detalles históri­cos y téc­ni­cos, la audio­guía puede ayu­darte a enten­der mejor cada obra.

• Si pre­fieres una expe­ri­en­cia más dinámi­ca, una visi­ta guia­da te per­mi­tirá con­tex­tu­alizar las obras clave sin perderte.

• Si, como a mí, te gus­ta dejarte lle­var por lo que te emo­ciona, recor­rerlo por libre tam­bién tiene su encan­to.

Planifica antes de entrar

El may­or error es inten­tar ver­lo todo. El Museo del Pra­do alber­ga miles de obras expues­tas. Si entras sin una mín­i­ma plan­i­fi­cación, acabarás sat­u­ra­do antes de lle­gar a la mitad.

El sín­drome de quer­er ver­lo todo (y no dis­fru­tar nada)

Hay algo que nos pasa en los grandes museos que rara vez con­fe­samos: entramos con la ansiedad del colec­cionista. Quer­e­mos ver Las Meni­nas, El Jardín de las Deli­cias, los Goya negros, los Tiziano, los Rubens… y si puede ser, todo en la mis­ma mañana. Con­ver­ti­mos la visi­ta en una lista men­tal de “impre­scindibles” que debe­mos tachar antes de que cier­ren las puer­tas. Y entonces ocurre lo inevitable: dejamos de mirar.

Miramos, sí, pero no vemos. Pasamos delante de cuadros que han sobre­vivi­do guer­ras, incen­dios, trasla­dos y sig­los de his­to­ria como quien pasa pan­tallas en un video­juego. Hace­mos una foto ráp­i­da (si se puede), leemos medio car­tel, asen­ti­mos con la cabeza… y seguimos avan­zan­do. Porque aún nos fal­tan quince obras “obligatorias”.El Museo del Pra­do no se puede con­sumir como si fuera un buf­fet libre cul­tur­al.

Inten­tar ver­lo todo en una sola visi­ta es la for­ma más ráp­i­da de salir sat­u­ra­do, con dolor de pies y con la sen­sación incó­mo­da de que no has conec­ta­do real­mente con nada. A veces, la expe­ri­en­cia más inten­sa ocurre cuan­do te per­mites quedarte diez min­u­tos frente a un solo cuadro. Cuan­do miras los detalles, las manos, las miradas, los pliegues de la tela, las som­bras. Cuan­do te pre­gun­tas qué esta­ba pen­san­do el pin­tor. Cuan­do te inco­mo­da algo. Cuan­do algo te remueve.

Quizá la ver­dadera visi­ta al Pra­do no con­siste en abar­car­lo todo, sino en dejar que una obra te encuen­tre. Y acep­tar que siem­pre quedará algo pen­di­ente para la próx­i­ma vez.